El hombre, ¿es capaz de la paz?

Hace justo medio siglo de aquel histórico 5 de enero de 1964 cuando el Papa Pablo VI se fundía en Jerusalén en un abrazo con el Patriarca de Constantinopla Atenágoras. 

Oriente y Occidente, Roma y Constantinopla daban el primer paso para superar un secular desencuentro, paradójicamente entre quienes profesan una misma fe y que supuso el desbloqueo del camino hacia un ecumenismo que, tan lenta como imparablemente, acerca cada día un poco más a ambos hemisferios de la Iglesia de Cristo, hasta el punto de que hoy se habla de que por fin la Iglesia respira con dos pulmones.

El reciente viaje del Papa Francisco a Tierra Santa representa un nuevo salto histórico en las relaciones entre los pueblos. El abrazo no es ahora a dos, sino a tres y no se trata de hermanos en la fe, sino de representantes de las tres grandes religiones monoteístas: cristianismo, judaísmo e islamismo con su enorme lastre de enfrentamientos y persecuciones mutuas que desgraciadamente siguen reproduciéndose en la actualidad entre los sectores más integristas del Islam.

El Papa Francisco ha logrado que el presidente de Israel Simon Peres y el de la Autoridad Nacional Palestina Mahmoud Abbas acepten su invitación para reunirse con él en el Vaticano el próximo mes de junio. No se trata de una nueva ronda de conversaciones políticas de las que tantas ha habido durante décadas con los principales lideres mundiales. No para hablar de desarme o de treguas. Han quedado para rezar, para rezar con tres voces distintas al único Dios. Y no es trivial el asunto como con evidente ligereza más de uno ha podido pensar: dirigirse juntos al padre común es el primer paso para llegar a reconocerse como hermanos. Para alcanzar el mutuo entendimiento el ser humano siempre ha de empezar por limpiar el corazón.

No sabemos el alcance futuro de este primer encuentro, pero en todo caso sienta las bases de por donde habremos de transitar si queremos una paz definitiva en nuestro convulso mundo. La amarga experiencia de la historia humana nos hace ser escépticos ante la pregunta de si el hombre es capaz de la paz. Pero entretanto y con la confianza puesta en el mañana, hoy sí podemos afirmar que el hombre al menos es capaz de la esperanza.

QUINO, MAFALDA Y EL PREMIO PRÍNCIPE DE ASTURIAS

Cincuenta mil euros en efectivo y una estatuilla diseñada por Joan Miró, además de un diploma y una insignia conmemorativa, aguardan a Joaquín Salvador Lavado "Quino" tras ser elegido, entre 22 candidatos de 14 países, ganador del Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades 2014 por el jurado presidido por Víctor García de la Concha, director del Instituto Cervantes, en reconocimiento a su "enorme valor educativo" y "dimensión universal de su obra".

Quino recibe el galardón 81 años después de aquel lejano 1932 cuando naciera en Córdoba (Argentina), hijo de emigrantes malagueños y que pronto recibiría el apodo con el que es conocido para distinguirlo de su tío Joaquín Tejón, pintor y diseñador gráfico junto al cual descubrió con tan solo tres años su vocación. Tras abandonar la Escuela de Bellas Artes en 1949, "cansado de dibujar ánforas y yesos", Quino se inclina definitivamente por el dibujo de historietas de humor. 

En 1963 publica su primer libro "Mundo Quino" cuyo éxito le proporciona ofertas de trabajo interesantes. Una de ellas viene de la cadena de electrodomésticos Mansfield que le encarga unas tiras de historietas con fines publicitarios en las que el protagonista sea un personaje cuyo nombre empiece por M y recuerde a la marca del anunciante. Así surge Mafalda, esa niña de espeso pelo negro que odia la sopa cuya inocencia no le impide entrar en permanente controversia con los adultos y en la que encuentra su mejor caldo de cultivo la más afinada ironía y el escepticismo a ultranza que caracterizan la personalidad del propio Quino,  quien recientemente ha declarado: "El mundo ha cambiado mucho. Me acerqué a Alfonsín y me desilusioné después. En la política siempre se meten los cochinos intereses personales. He creído en la revolución cubana, pero uno se va desilusionando. En esta etapa me siento más escéptico."

A lo largo de nueve años, las tiras de Mafalda dieron la vuelta al mundo con su visión, mitad divertida mitad dolida, del mundo y cuantos lo habitan. Frases como "Amo a la humanidad, lo que me revienta es la gente" o "No pido que me amen, con que no me jodan es suficiente" o esa otra que dice "lo malo de la gran familia humana es que todos quieren ser el padre" reflejan ese halo de escepticismo y desencanto existencial con el que todos identificamos a Mafalda.

Junto a ella aparecen una serie de amiguitos con variopinta personalidad que encarnan diversas actitudes ante la vida: Felipe, el mayor de todos, siempre angustiado y pesimista; Manolito, hijo de emigrantes españoles de carácter un tanto brusco, al que le gusta la sopa y cuyo sueño es llegar a propietario de una gran cadena de supermercados cuando sea mayor; Susanita, la mejor amiga de Mafalda, obsesionada con casarse y tener muchos hijos; Guille, el hermano pequeño de Mafalda, cuya ingenua rebeldía respecto de su hermana mayor reproduce la que Mafalda exhibe frente a los adultos... Y junto a ellos y sobre ellos, los padres, él de nombre desconocido, agente de seguros obsesionado con llevar dinero a casa y ella, Raquel, mujer que abandonó sus estudios para dedicarse a su casa y a tener hijos, cosa que Mafalda siempre le recriminó. Unos padres de clase "mediaestúpida" según expresión de su hipercrítica hija.

La enorme popularidad a escala planetaria que alcanza Mafalda lleva a Quino en 1973 a tomar la sorprendente decisión de acabar con sus peripecias. Tal vez Mafalda había conseguido tal éxito que amenazaba con engullir a su propio creador, como en tantas ocasiones ha ocurrido con los autores de personajes mundialmente celebrados. A partir de entonces Quino continuó sorprendiendo con sus historias pero ya en medio de un humor mucho más mordaz y desgarrado, un humor más próximo a los adultos. 

Premio Príncipe de Asturias merecidísimo sin duda, pero que, imbuidos del espíritu de Mafalda, nos despierta un cierto regusto de amargura. Nuestro único, genial, inmenso Antonio Mingote nunca alcanzó tal distinción por culpa de algún que otro estúpido más inclinado al favoritismo político que al reconocimiento del talento. Ojalá que estemos a tiempo de enmendar errores pasados con un futuro Premio a alguno de nuestros grandes dibujantes de humor, Forges sin ir más lejos, antes de que sea demasiado tarde y nos entren ganas de exclamar:

JOYAS LITERARIAS INGLESAS DE LA BIBLIOTECA BRITÁNICA, AHORA EN INTERNET

La Biblioteca Británica y bajo el título "Discovering Literature: Romantics and Victorians" presenta en su página de internet www.bl.uk un total de 1.200 manuscritos originales de las épocas Romántica y Victoriana de autores tan destacados como Charles Dickens, Lewis Carrol, William Blake, John Keats o las hermanas Brontë entre otros.

Resulta delicioso recorrer este impresionante legado literario de primera mano de sus autores, como este cuento ilustrado que Charlotte Brontë escribió para su hermana pequeña, en el que manuscritos, dibujos, grabados y ediciones príncipe conviven armoniosamente para devolvernos a unos tiempos en los que el libro era el único soporte para la transmisión del pensamiento.

Con una fácil navegación a través de un buscador tan sencillo como eficaz, accedemos a títulos y autores, descubriendo así la fascinación de esos manuscritos envejecidos por el tiempo, al lado de maravillosas ilustraciones que demuestran el inmenso amor con el que se editaron estos grandes clásicos ingleses.

MERCEDES SALISACHS, 97 años, más de sesenta como escritora: fallece sin homenajes la gran dama de la literatura en lengua española

Sí, aunque parezca un contrasentido y seguro que lo es en realidad, una inmensa escritora cuya vida transcurrió en Barcelona no ha merecido homenaje público en vida a pesar y precisamente por legarnos una de las bibliografías más destacadas en lengua española del siglo XX. Pero claro, no era independentista, escribía en español y para colmo nunca ocultó su profunda religiosidad. Y es que, como la propia escritora dijo en alguna ocasión: "El hecho de vivir puede ser más letal que morir."

Entre sus antecedentes literarios debía estar la espléndida "Nada" de Carmen Laforet, cuyo duro existencialismo quedará patente en los primeros libros de Mercedes Salisachs, los cuales ella prefiere desterrar de su curriculum por considerarlos de escaso valor, de modo que establece su inicio como escritora en el año 1955 con su novela "Primera mañana, última mañana", en la que experimenta mediante capítulos alternados con el pasado y el presente del protagonista, a la que siguen inmediatamente "Carretera intermedia" (finalista del premio Planeta 1956) novela faulkneriana marcada por una narrativa de múltiples perspectivas desde dentro de cada uno de sus personajes  y "Una mujer llega al pueblo" premio Ciudad de Barcelona del mismo año, dura acusación -tal vez inadvertida en aquel momento- de la realidad de la mujer rural.
Hija de un acaudalado industrial, con tan sólo diecinueve años se casa en 1935 con un industrial y perito mercantil como ella con el que tendrá cinco hijos. En 1958 se produce un hecho luctuoso que habrá de marcar la vida y la obra de la escritora: la muerte en accidente automovilístico de su segundo hijo, Miguel. Todo su ser se convulsiona y hasta sus más arraigadas creencias se tambalean. Por un tiempo no puede concentrarse, ni siquiera dormir. Acude a todo tipo de recursos, nada le consuela, nada le devuelve no ya la alegría, ni siquiera la tranquila aceptación. Acude al pueblecito de Garabandal, donde se dice que unas niñas ven y se comunican con la Virgen María. Mercedes las busca, consigue acercarse a ellas, insiste día tras día, hasta que por fín recibe la ansiada noticia: Miguel está en el Cielo. La calma vuelve a su interior, sus dudas se disipan.
Vuelve a escribir con más energía y publica en 1960 "Vendimia interrumpida" en la que el ambiente rural y los sentimientos religiosos cobran protagonismo. La España de los años inmediatamente anteriores a la Guerra Civil y de la postguerra, así como la crítica social de la alta burguesía enmarcan su obra. En 1973 queda de nuevo finalista del Premio Planeta con "Adagio confidencial" hasta que por fin, en 1975, obtiene el Premio Planeta con su famosísima "La gangrena", su obra cumbre a todas luces, en la que recorre, de la Dictadura hasta los años setenta, medio siglo de vida barcelonesa y española a través de la peripecia personal de Carlos Hondero, desde su niñez hasta convertirse en un rico industrial.
La visión de la España de la postguerra narrada por Mercedes Salisachs es implacable: la dominación del hombre sobre la mujer, la hipocresía de las clases superiores y el fracaso del amor en el matrimonio son las constantes de su temática.
El éxito editorial de la obra de Mercedes Salisachs nunca corrió parejo con la atención por los estudiosos de la literatura. Los pocos trabajos a ella dedicados la clasifican despectivamente como "literatura tradicional" o "novela burguesa". Sin embargo, ella cosechó premios literarios, sus obras se tradujeron a diez idiomas y continuó escribiendo regular, sistemáticamente hasta el final de su vida. Su última novela "El caudal de las noches vacías" vio la luz en 2013.
"No me he sentído ofendida, sólo ignorada", solía decir. Su obra continúa a la espera de un análisis crítico a la altura de su popularidad como escritora, tan grande como único homenaje que recibió en vida.

"El jilguero" convierte a la norteamericana Donna Tartt en la Harper Lee del siglo XXI.

El pasado 28 de abril publiqué un post acerca de la gran novela de Harper Lee "Matar a un ruiseñor".

Pues bien, la ornitología acaba de cobrarse un nuevo título para una de esas novelas que el paso del tiempo no hace sino engrandecer. Me refiero a "El jilguero", tercera novela de la escritora norteamericana Donna Tartt y reciente ganadora del Premio Pulitzer 2014. 

El paralelismo entre Lee y Tartt es evidente: ambas escritoras sureñas, una de Alabama y otra del Estado de Mississippi, se alzan con el precio Pulitzer a cincuenta y tres años de distancia; pero sobre todo, al margen de los titulos de pájaros y del Pulitzer, lo relevante es que Harper Lee sólo escribió una novela en toda su vida, al tiempo que Donna Tart necesita una década para dar a luz un nuevo título, lo que dice mucho del cuidado con el que trata cada uno de sus libros. En 1992 sorprendió con su primera novela "El secreto" y ya entonces a sus veintiocho años se habló de ella como la escritora revelación. Llevaba trabajando en ella desde los veintidós. 

A partir de ahí el silencio, hasta que en 2.003 nuevamente revoluciona el mundo editorial con "Un juego de niños", tras la cual su producción queda interrumpida durante otra década para reaparecer el año pasado con la que es sin duda su mejor obra: casi ochocientas páginas de intriga, de amor, pero también un espacio para la reflexión acerca del poder redentor del arte. 

"El jilguero" alude al célebre cuadrito del pintor holandés Carel Fabritius, alumno destacado de Rembrandt, que alberga el Maurishuis de La Haya y en el que el pintor reproduce de forma magistral un pájaro atado a su caja comedero mediante una cadenita. Y así, atado a sus imprevistas circunstancias, queda un chico de trece años, Theo Decker, cuando una bomba acaba con la vida de su madre en compañía de la cual visitaba el Museo Metropolitano de Nueva York al que habían acudido para refugiarse de una tormenta. Algo tan imprevisto, tan aleatorio como un repentino aguacero o como no llevar paraguas, determina un cambio absolutamente radical en la vida del joven protagonista, marcada a partir de ese momento por la adorable Pippa, el restaurador de muebles Hobie, el traficante de drogas ruso Boris y un variopinto coro de personajes siniestros que nos recuerdan a Dickens, pero también a Melville y Dostoievsky como la propia autora ha reconocido.

Como veíamos al principio a propósito del paralelismo entre Harper Lee y Donna Tartt, nada en esta novela es casual o quizá todo es fruto de una cadena de coincidencias: el cuadrito elegido, tanto por su pequeño tamaño como por su encantador motivo, atrae la atención del niño y es susceptible de ser salvado por éste. El jilguero, cuya noble estampa nos emociona al percatarnos de que se haya atado a una cadena, refleja vivamente la condición humana, capaz de lo más sublime pero al mismo tiempo condenada al cautiverio de sus propias debilidades. El nombre del protagonista, Theo Decker, tiene diez letras -igual que el de la escritora- y sus iniciales T D son también las mismas aunque en orden inverso. 

Fabritius murió en Delft en 1654 a consecuencia de una explosión en el polvorín de la ciudad. En aquel momento trabajaba en el retrato del diácono Simon Decker. 

"CARMINA Y AMÉN" una gran tragicomedia de Paco León.

Las carcajadas están aseguradas con esta nueva película de Paco León, muy superior a su anterior trabajo "Carmina o revienta" del que supone una segunda parte que se cierra con un brillante y emotivo desenlace final.
El arranque es tragicómico como la vida misma: un hombre fallece repentinamente pocos días antes de cobrar la paga y su mujer no duda un instante en ocultar el hecho de su muerte hasta después de haber cobrado, aunque haya que recurrir a los guisantes congelados para tratar de evitar la descomposición del cuerpo. 

La madre de Paco, Carmina Barrios, está inconmesurable con su poder para levantar carcajadas con la misma facilidad que es capaz de emocionar profundamente al espectador. Carmina es una continuadora de esas grandes actrices populares como Rafaela Aparicio o Florinda Chico que se nos fueron con toda su carga de verdad y que ahora cada vez echamos más de menos entre tanta sofisticación forzada.

Paco León se revela como un gran director de actores. Estefanía de los Santos, su hermana, María León,  Yolanda Ramos, brillan a gran altura de la mano de este director que sabe bien que el público español quiere ir al cine a reírse con unos personajes y unas situaciones lamentablemente reales. Una película para troncharse de risa y para emocionarse hasta la lágrima.

"APRENDIZ DE GIGOLO", mano a mano entre John Turturro y Woody Allen.

John Turturro y Woody Allen comparten peluquero en la vida real. Y fue precisamente este sujeto, Anthony, quien sugirió a Turturro la idea de coprotagonizar una película con Woody Allen. Claro que luego había que convencer también a éste de que se pusiera a las órdenes del propio Turturro... Desconozco en qué medida el ingenioso peluquero influyó en las decisiones de ambos, pero lo cierto es que ahora tenemos la ocasión de comprobar el resultado de semejante cóctel.

Al parecer, el argumento de la película se le ocurrió a John Turturro a partir de un amigo real, librero arruinado de edad parecida a la de Allen y con una novia joven y atractiva. -¿Porqué no reinventar la vida de su amigo en el negocio del sexo? se dijo el director. Y así surgió este "aprendiz de gigolo" difícilmente creíble con el físico de un más que talludo Turturro  en su papel de gigolo con mujeres tan espectaculares como Sharon Stone, Sofía Vergara o Vanessa Paradis que no necesitarían nunca de sus servicios.

Pero bueno, la comicidad de Woody Allen en su afán obsesivo por triunfar como manager de su amigo en el negocio del sexo, y el toque ingenuo y romántico del propio Turturro hacen llevadera una película que no va más allá de pasable y que se queda en una simple imitación de las grandes comedias de Allen.
"Fading gigolo" debería titularse en español "¡Menudo gigoló!", traducción más fiel al sentido literal del original inglés y que recoge mucho mejor que "aprendiz"  no sólo el carácter del personaje sino también el estado decadente del genio de sus protagonistas.

30 de abril, DÍA INTERNACIONAL DEL JAZZ. 

¿Balón de oxígeno para un género musical agonizante?

Unesco estableció en 2011 el día 30 de abril como fecha de conmemoración del Día Internacional del Jazz por considerar que este género musical fomenta valores tan deseables como la igualdad entre sexos, grupos y comunidades, la innovación artística, el protagonismo de la juventud o el diálogo intercultural.

Ahora bien, al hablar de jazz surge inmediatamente la cuestión: ¿Sigue vivo el jazz o se trata más bien de un género musical agonizante? Este año los principales eventos conmemorativos tienen lugar en Osaka (Japón) donde concurren una serie de estrellas del jazz encabezadas por Herbie Hancock y todo ello no por casualidad. Allí parece florecer el jazz con más de cien clubes dedicados a la práctica de este género musical sólo en el área de Tokyo -algo parecido a lo que sucede con nuestro flamenco- mientras en Estados Unidos su relevancia es mucho menor que la que tenía hace diez o quince años y casi insignificante en comparación con lo que significó el jazz hace cincuenta o sesenta años.

El célebre trompeta Nicholas Payton defiende que el jazz debe pasar a denominarse BAM (Black American Music), por considerar que los presupuestos de lucha racial que se encuentran en los orígenes históricos del género son consustanciales con este tipo de música. Confinado a ese espacio, es lógico que el jazz vaya decayendo a medida que la discriminación racial lentamente va siendo superada. 

La realidad es contradictoria con la tesis de Payton. El jazz, alejado de sus orígenes afroamericanos en su particular diáspora planetaria, potencia su carácter de espacio propicio a la libertad creativa. El jazz es sin duda un tipo de música que, con independencia de las circunstancias sociológicas propias del momento, siempre encontrará quien necesite interpretarla y quien desee escucharla.

IDEA: PINTURA FUERZA, En el gozne de los años 70 y 80 últimos días en el Palacio de Velázquez del Parque del Retiro.

Hasta el 18 de mayo todavía tenemos oportunidad de recrearnos con las obras de Alfonso Albacete, Miguel Angel Campano, Ferrán García Sevilla, Juan Navarro Valdeweg y Manolo Quejido, realizadas entre los años 1978 y 1984, cuando la sociedad española vivía unos momentos de profundas transformaciones a los que no era ni podía ser ajeno el mundo del arte.

Los artistas españoles buscan en las vanguardias europeas, encarnadas en Matisse, Cézanne o Picasso y en sus posteriores continuadores americanos como De Kooning o Jasper Johns, el camino por donde desarrollar nuevas vías de expresión más allá del formalismo academicista de la denominada pintura oficial. El arte se convierte de este modo en un vehículo transmisor de ideas-fuerza, de ideas capaces de pasar de la potencia al acto, del pensamiento a la acción.

Estos cinco pintores marcan un movimiento netamente español, pero a la vez profundamente contemporáneo, en línea con las tendencias artísticas internacionales del momento.

Una explosión de color, de movimiento que, partiendo del experimentalismo de los años 70, recupera las vanguardias históricas para crear un potente lenguaje pictórico acorde con la nueva época que se estrenaba en nuestro país.

"MATAR A UN RUISEÑOR" de Harper Lee, porque siempre hay que volver a los clásicos

Nunca es mal momento para recordar a los clásicos, así que después de releer la única novela que escribió Harper Lee y con la que obtuvo el Premio Pulitzer en 1961 no tengo más remedio que referirme a ella.

Y es que los recuerdos de infancia de "Scout" Finch, con toda su carga de inocente frescura, nos permiten conocer con gran viveza la época de la Gran Depresión que le tocó vivir. El padre de "Scout", Atticus Finch, abogado en ejercicio, se encarga de la defensa de un hombre de raza negra acusado falsamente de violar a una joven blanca.

A partir de ese caso que tanto influjo ejerció en la pequeña "Scout", la autora describe un mundo de salvaje injusticia racial, en el que la niña consigue atrapar a un lector que no puede sino tomar partido por quien defiende la justicia y la verdad.

Una única novela bastó a Harper Lee para inscribir su nombre en la nómina de los grandes novelistas norteamericanos, gracias a su perfecto manejo de la parodia, la sátira y la ironía, así como por su capacidad para sorprendernos con los personajes más insospechados.

2º Domingo de Pascua, 2 Papas vivos, 2 Papas a los altares

Es la primera vez en más de dos mil años de historia de la Iglesia. Dos Papas, Juan XXIII y Juan Pablo II son canonizados en el mismo día; al tiempo que otros dos Papas, Francisco (reinante) y Benedicto XVI (emérito) viven tan significativo acontecimiento eclesial. 
La fecha elegida no es en absoluto casual: 2º Domingo de Pascua, el siguiente al Domingo de Resurrección que san Juan Pablo II quiso dedicar a la Divina Misericordia, devoción especialmente querida también por san Juan XXIII. La misericordia, el perdón, cualidad esencial de Dios mismo.
Cuánta misericodia y cuánto perdón necesitamos los hombres y mujeres de hoy; cuánto cambiaría nuestro mundo si de verdad fuésemos capaces de perdonarnos unos a otros. Y cuánta sabiduría entraña el testimonio de estos dos grandes santos del siglo XX en cuyos escritos y en cuyo ejemplo de vida tenemos un tesoro al que acercarnos una y otra vez en busca del sentido último de nuestras vidas.

"MEJOR OTRO DÍA", humor británico a propósito de un asunto muy serio.

Hay asuntos tan serios en la vida que resulta muy difícil abordarlos cómicamente sin caer en el mal gusto y uno de ellos es sin duda el del suicidio. Por derroteros tan peligrosos se adentra esta comedia británica inspirada en el libro de Nick Hornby titulado "A long way down", traducido a nuestro idioma como "En picado".  La historia comienza una Nochevieja en la azotea de un rascacielos londinense cuando cuatro personas absolutamente diferentes coinciden en el momento y el lugar elegidos para acabar con su vida.

A partir de escena tan delirante, los cuatro logran convencerse mutuamente para aplazar hasta el día de san Valentín sus planes suicidas. Surge así una relación de amistad que dará lugar a todo tipo de situaciones tragicómicas, a través de las cuales e incluso a su pesar acabarán por descubrir las poderosas razones que cada uno de ellos tiene para seguir viviendo y haciendo vivir a cuantos les rodean.

Pierce Brosnan, Toni Collette, Imogen Pots y Aaron Paul dan vida a los cuatro personajes de una comedia que pretende hurgar en los entresijos del corazón de sus personajes sin que a ninguno se le vaya la vida en ello, al tiempo que arrancar sonrisas y alguna que otra lágrima de un público encantado de haberles conocido. Una comedia sin grandes pretensiones que aborda de manera muy superficial el drama del sufrimiento humano, ante el cual se limita a ofrecer una salida tan bienintencionada como simplista y escasamente convincente.
En resumen, la película se queda siempre a mitad de camino: ni destaca por su comicidad a pesar de un magnífico arranque y las posibilidades que ofrece el planteamiento inicial, ni consigue tampoco cautivar al espectador en su intento de resolver el conflicto interior que viven sus protagonistas.

¡Ah, por cierto!, si alguna vez se sienten atacados de desesperanza, pueden acudir al libro de Nick Hornby como manual de autoayuda, obteniendo así un antídoto infalible para evitar males mayores. Hay quienes aseguran que funciona.

El "MISÁNTROPO" de Miguel del Arco, ejemplo perfecto de adaptación del teatro clásico al mundo de hoy.

La adaptación de obras clásicas con varios siglos de antigüedad a las espaldas constituye uno de esos sempiternos asuntos que tanta polémica suscitan en el mundo de la cultura. Tanto en el teatro como en el cine y si cabe más aún en el terreno operístico, eso de que aparezcan en escena unos tipos que podrían haberse colado en escena directamente desde la calle suele ofender la sensibilidad del espectador en numerosas ocasiones.

No es el caso en absoluto de la adaptación que Miguel del Arco, director con más de veinte años de éxito en el teatro, hace del "Misántropo" de Molière. Muy al contrario, con una magistral dirección teatral logra resaltar de modo impecable los valores de un gran clásico y, por tanto, de una obra ajena al paso del tiempo. Al acabar la representación nadie diría que esta obra haya sido estrenada en París nada menos que en 1.666. Tan raro, tan extravagante resulta hoy ese tipo, Alceste, como lo fuera en la época de su estreno: un hombre que por su amor a la verdad y a la virtud acaba convirtiéndose en un misántropo, en un enemigo de una sociedad corrompida a la que se enfrenta abiertamente, hasta el punto de hacer que nos cuestionemos si merece la pena tanta honestidad a costa de perderse una vida confortable y placentera.
No importa si nos situamos en el mundo de la aristocracia francesa del siglo XVII o en una discoteca de nuestros días. La genialidad de la propuesta de Miguel del Arco consiste en que, manteniendo escrupulosamente el texto original, la puesta en escena en un entorno perfectamente reconocible por el espectador permite que éste capte en toda su dimensión la problemática vital de sus protagonistas. El amor y el miedo, la coquetería y la vanidad, todos los recovecos del corazón humano entran en conflicto en torno a la deseada Celimena. La palabra, la música, la expresión corporal, la coreografía, se combinan sabiamente para componer un mosaico trepidante en el que se brinda, critica y engaña al ritmo de los cuerpos que bailan.
Impecable Israel Elejalde en su papel principal, perfectamente escoltado por Bárbara Lennie, José Luis Martínez, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez. Un clásico reencarnado que viene a sumarse al éxito obtenido anteriormente por Miguel del Arco con "La función por hacer" adaptación de la obra de Luigi Pirandello "Seis personajes en busca de autor" y con "Veraneantes", versión del texto homónimo de Máximo Gorki. 

"misántropo"en la sala principal del Teatro Español hasta el 22 de junio

OCHO APELLIDOS VASCOS, de comedia cinematográfica a fenómeno social

En mi post del pasado 20 de marzo animaba a ver la película de Emilio Martínez Lázaro porque venía a demostrar cómo, cuando el cine español abandona los dictados de la Academia y se dedica sencillamente a explotar el enorme talento de nuestros cineastas, la comunión con el público está asegurada. 

Pues bien, me quedé corto en mis apreciaciones. Desde el pasado fin de semana y con seis millones y medio de espectadores, OCHO APELLIDOS VASCOS se ha convertido en la película española más vista de la historia, a pesar de llevar poco más de un mes desde su estreno. En otros términos, se ha convertido en un auténtico fenómeno social.

Y la pregunta es obligada: ¿qué tiene esta película para desbancar en taquilla a gigantes de la industria norteamericana como Spiderman o Capitán América?  

En el post ya citado del 20 de marzo apuntaba yo que la gente hoy más que nunca necesita, necesitamos reír. Con no sé cuantos años de crisis a las espaldas, con problemas personales y colectivos de todo tipo, los españoles, amantes como pocos del humor, buscamos vehementemente cualquier espacio adecuado para "echar unas risas" que nos alegren el cuerpo y nos aireen el alma que tan encogida se nos ha quedado a cuenta de tantas y tantas frustraciones.

Y, ¿qué hay más sano que reírnos de nosotros mismos, de nuestros tópicos, para luego descubrir que en el fondo de nuestro ser colectivo hay tanto talento como ganas de querernos un poco más unos a otros?.

Seguro que habrá otras claves además de ésta para explicar fenómeno tan extraordinario, de modo que cualquier aportación al respecto será muy bien recibida.

ELENA PONIATOWSKA recibe el Premio Cervantes 2013, todo un éxito de lo políticamente correcto.

No teman, nadie va a calificar de auténtico despropósito la concesión del Premio Cervantes 2013 a una escritora más que mediocre. Ni una sola crítica probablemente se dejará oír a la más que dudosa concesión del mayor galardón de las letras hispanas. La señora Poniatowska es ante todo una activista política de izquierdas y con eso ya todo está ganado, sobre todo si cuentas con el padrinazgo de El País y de las dictaduras americanas y, para colmo, con el papanatismo de un Gobierno del PP empeñado en seguir los dictados de Juan Luis Cebrián, como si le debieran algo al buen señor.

Así las cosas lo de hoy en Alcalá de Henares ha resultado la exaltación de la corrección política, con el Gobierno español rendido ante la princesa polaca educada en Francia y cuyas referencias a España siempre acaban con el desprecio a la herencia española en América y con los exiliados a Méjico tras la guerra civil.

Esperemos que la próxima edición del Premio Cervantes resulte mucho más atinada.

"LA LENGUA EN PEDAZOS" de Juan Mayorga exhibe toda la fuerza dramática de la vida de Teresa de Jesús

Teresa de Jesús, la mística, la fundadora, la rebelde, la mujer, enfrentada a la rígida ortodoxia de un poder al que osa desafiar a pesar de tener todo en contra.

Juan Mayorga presenta un combate entre una monja y un inquisidor

en la cocina del convento, allí donde Teresa sabía que Dios andaba entre los pucheros. A partir de "El Libro de la Vida" de la mística doctora de la Iglesia, se nos descubre la lucha titánica que la monja rebelde va a sostener con las únicas armas que le proporciona su fe inquebrantable en que Dios está con ella. Mujer contemplativa y mujer de acción, ambas facetas están transidas de un amor que le lleva a una actitud de rebeldía frente a todo lo que se opone a él.

Premio Nacional de Literatura Dramática 2013 por esta obra, Juan Mayorga no oculta sentirse fascinado por una mujer que, con independencia de nuestras creencias personales, representa una de las figuras femeninas de personalidad más firme y decidida que ha dado la humanidad.

En la sala Dos del Teatro Fernán Gómez de Madrid hasta el 4 de mayo.

23 de abril, la Noche de los Libros en Madrid

El próximo miércoles 23 de abril tendrá lugar la IX edición de la Noche de los Libros, con más de seiscientas actividades, entre las que destacan el encuentro entre Salman Rushdie, Gabriel Albiac y Juan Cruz; la mesa redonda con los filósofos Fernando Savater, Javier Gomá y Carlos García Gual o la que ofrecerán Ian Gibson, Vicente Molina Foix y Marcos Giralt Torrente.

Cerca de doscientas librerías serán puntos de encuentro con escritores, con un horario ampliado durante la Noche de los Libros y descuentos del 10% en las compras efectuadas durante toda la jornada.

Toda la información en http://www.madrid.org

GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ, el hombre capaz de transformar su pueblo natal Aracataca en el  "Macondo" de nuestro imaginario colectivo.

El autor de "Cien años de soledad" copa estos días las secciones de cultura de todos los medios de comunicación internacionales, hasta el punto de convertir la noticia de su fallecimiento en un nuevo "boom" de la literatura latinoamericana, a cuyo surgimiento tanto contribuyó la obra de García Márquez.

En títulos como "El coronel no tiene quien le escriba", "Crónica de una muerte anunciada" o "El otoño del patriarca" la vida cotidiana del escritor se convierte en un mundo imaginario mucho más próximo a la sensibilidad del lector que la propia realidad vivida por el autor. 

Eso que se ha denominado realismo mágico representa en suma la transformación de una experiencia vital individual en la magia de "Macondo", ese lugar reconocido como propio de cada uno en la imaginación de millones de lectores. Y es que la misión del escritor era para García Márquez un "vivir para contarla".

"JESÚS DE NAZARET" Desde la Entrada en Jerusalén hasta la Resurrección, de Joseph Ratzinger, la mejor aproximación a la Semana Santa

Tres años han pasado desde su publicación, a pesar de lo cual hay que volver a recomendar la lectura de este libro, segunda entrega de la obra "Jesús de Nazaret" de Joseph Ratzinger, actual Papa emérito. 

La tarea de conciliar la hermenéutica teológica católica con el riguroso análisis de las fuentes históricas encuentra en este libro uno de los ejemplos más lúcidos de la moderna investigación en torno a la figura de Jesús de Nazaret.

Tanto el lector católico como el no creyente verán enriquecida su visión de los hechos absolutamente extraordinarios que ocurrieron en Jerusalén los días que mediaron desde la entrada triunfante de Jesús hasta su muerte y resurrección. Apoyándose en las fuentes históricas no cristianas a la vez que en las citas bìblicas, Ratzinger nos acerca las claves necesarias para una comprensión global de Jesús de Nazaret y de cuanto aconteció en aquella primera Semana Santa.

"LA DESVENTURA DE LA LIBERTAD" de Pedro J. Ramírez, monumental homenaje a Calatrava, último Jefe de Gobierno del Trienio Liberal.

En el año 2011 el entonces director de "El Mundo" Pedro J. Ramírez se dirigió a la vieja librería madrileña de Miguel Miranda en busca de la carta de suicidio de su paisano el general riojano Estanislao Sánchez Salvador, Secretario Interino de la Guerra en 1823, en la que el militar dejó escrita su intención de abrirse el cuello con una navaja de afeitar, a fin de que a nadie se le pudiese imputar injustamente su asesinato. 

Poco podía imaginar Pedro J. que el citado librero no sólo le proporcionaría tal documento sino que le iba a poner sobre la pista de algo mucho más relevante: el archivo personal de José María Calatrava Peinado, último Jefe de Gobierno del Trienio Liberal, documentos que el padre de Miguel Miranda había adquirido tiempo atrás en una testamentaría y cuya búsqueda el librero concluyó con éxito.

Con semejante documentación, equiparada por su trascendencia histórica a la del archivo de Manuel Azaña, Pedro J. Ramírez se lanzó a escribir un libro de gran densidad documental en el que, con la prosa clara y precisa propia del periodista, nos desvela el complejo entramado de luchas, traiciones e ideales que hicieron del Trienio Liberal uno de los periodos más conflictivos de nuestra historia. Con gran ecuanimidad "La desventura de la Libertad" nos revela cómo, frente a la amenaza absolutista del felón Fernando VII apoyado por el ejército francés denominado los Cien Mil Hijos de San Luis con el que la Santa Alianza invade España para restaurar el absolutismo, Calatrava lucha por defender la cordura y el orden constitucional. El Trienio Liberal, lejos de ser un oasis de libertades como habitualmente se le ha venido describiendo, resulta un periodo de grandes convulsiones, en el que el rey traiciona a su Gobierno utilizando los propios informes que éste le ofrece en sus despachos habituales.

El retrato de los personajes nos descubre un Riego más incapaz que verdadero caudillo, a Fernando VII como el rey traidor a su propio pueblo y al mismo Calatrava como un héroe a su pesar en medio de una España sin gobierno, con un pueblo inculto y atrasado a merced de los intereses extranjeros. El último Gobierno del Trienio Liberal resiste primero en Sevilla y luego en Cádiz para sucumbir finalmente en su defensa de la libertad.

Un libro que por su base documental resulta imprescindible para el análisis histórico de uno de los periodos más decisivos de nuestra historia contemporánea.

EL IV CENTENARIO DE EL GRECO convierte a Toledo en el foco cultural del año

Toledo atrae visitantes continuamente, pero la conmemoración del IV Centenario de El Greco lo está convirtiendo en el foco cultural más importante de nuestro país. La exposición "El Griego de Toledo" de Museo de Santa Cruz ha traído a la ciudad cuadros del genio cretense de medio mundo, muchos de los cuales regresan a la ciudad en la que fueron creados, entrando en diálogo con otros grecos que han permanecido en Toledo desde entonces.

Tenemos la oportunidad de ver juntos los "San Pedro y San Pablo" del Hermitage y de Barcelona;                                 

admirar la "Vista de Toledo" del M.O.M.A. de Nueva York muy cerca del "Vista y Plano de Toledo" del Prado; o el "Cristo en la Cruz con dos donantes" del Louvre casi al lado del majestuoso "Cristo en la Cruz" recientemente rescatado del olvido en Sevilla. 

Entre más de un centenar de obras de "El Greco" resulta dificil una síntesis. Para ello nada mejor que acudir a la Sacristía de la Catedral de Toledo, recién remodelada y contemplar "El Expolio" de El Greco y, justo a su lado, "El Prendimiento" de Goya. La glorificación y la angustia, la divinidad y la humanidad, el Evangelio de san Juan frente a los Evangelios sinópticos. No cabe decir más, sencillamente hay que ir y contemplar ambos. La génesis del arte contemporáneo está en Toledo.

Sobre el IV Centenario de El Greco, VER POSTs DEL 10, 12 y 31 DE MARZO